1. La mujer es una flor:
A principios del siglo XX la mujer se erguía consciente de su dignidad encuelta en la fastuosa coraza de sus vestidos, con la figura comprimida para formar una grotesca <S>, todo gracias a un corsé. Las mayores innovaciones en los vestidos de fiesta de 1898 eran las flores. Veían el cuerpo femenino como ornamento. Utilizaban sombreros enormes y llevaban el pelo ondulado.
2. El vestido racional:
Es la liberación del corsé, la idea del vestido racional intentaba reconciliar el arte y la vida. En cuanto a la expansión comercial de la reforma y los ideales del vestido estético, esta se realizó a través del departamento de moda de Liberty de Londres, fundada en 1884. Liberty confeccionaba vestidos sueltos y con vuelo que pudieran llevarse con o sin corsé.
3. Orientalismo y opulencia:
Oriente ha sido una fuente de inspiración para los diseñadores de moda desde el siglo XVII. En 1900 el uso del término “orientalismo” se refería a la apropiación por parte de los diseñadores occidentales de las convenciones estilísticas exóticas de diversas culturas pertenecientes al continente asiático. Esta tendencia alcanzó su punto álgido a principios del SXX. Algunos modistos franceses como Paul Poiret y Jeanne Paquin se inspiraron en las representaciones de los Ballets Rusos.
1915-1921:
1.El miriñauqe en tiempos de guerra:
En una época en la que los medios económicos eran limitados, la tela era un lujo y las mujeres tenían que desempeñar tareas hasta entonces realizadas por hombres, hubo un incremento en el gasto en prendas de vestir que parecía contradecir toda lógica. El miriñaque en tiempos de guerra es el vestido y la silueta que se popularizó en toda Europa, las mujeres llevaban faldas extremadamente anchas, ahuecadas poro numerosas enaguas. Los tejidos eran de poca calidad y sus acabados muy modestos.
2. Coco Chanel:
Con una línea sencilla y característica Coco Chanel desbancó al modisto más importante de la época, Paul Poiret, cuyas creaciones expresivas y rebeldes habían plasmado el erotismo de lo exótico socialmente aceptable de principios del SXX. Casi todas las prendas femeninas actuales parten de ideas, experimentos y pruebas de Coco Chanel. La propia Coco fue su mejor maniquí. En 1920 empezó a introducir prendas de vestir especiales para el deporte. Su célebre perfume Chanel nº 5 salió al mercado en 1921.
3. Prendas de vanguardia:
Antes de la I Guerra Mundial, y en especial durante los años 20, los artistas de toda Europa trataron de redefinir las prendas de vestir de los hombres y de las mujeres modernos. Estos artistas de vanguardia querían establecer un puente entre arte y vida. Filippo Tommaso Marinetti proporcionó el ímpetu que necesitaban los vanguardistas europeos con su manifiesto futurista de 1909. con el fin de reinventar la ropa, los futuristas italianos se vestían como si actuaran en una obra de teatro.
4. Erté: el maestro del art decó:
El nombre de Erté evoca la opulencia del art decó, y su obra como ilustrador y diseñador de moda, que lo ha convertido en uno de los artistas más aclamados del SXX, está plagada de diseños muy estilizados de cuerpos sinuosos envueltos en tela y pieles, adornados con interminables vueltas de abalorios y perlas y tocados con sombreros tan fantásticos como elegantes. Aunque su obra floreció durante la década de 1920. él afirmaba que no compartía el gusto por el estilo garçonne, tan de moda en esa década.
1922-1929:
1. Femenino y masculino:
En 1926, la revista alemana Die Dame decía a sus lectoras: “ Ahora es precisamente cuadno la lucha entre el principio masculino y el femeninno se expresa con mas fuerza en la moda (…) El casquete de elegantes líneasy ribete sinuoso que ensombrece ligeramente la cara se enfrenta contra el exagerado sombrero florero de ala dura y despiadada que acaba en una línea abrupta justo por encima d los ojos”. El robe style, inspirado en el romanticismmo nostálgico del pasado, competía con los pantalones; el jersey práctico estaba tan de moda como los vestidos elegantes de princesa; había estampados de flores pero también se llevaban las rayas; se hacían corpiños de seda en colores pastel y broches austeros lineales; trajes masculinos y corbatas pero al mismo tiempo blusas delicadas de gasa o velo transparente.
2. Moda en movimiento:
Los años veinte fue una época dorada para la extravagancia y para el atrevimiento. Los tejidos vaporosos cubrían una figura femenina extremadamente estilizada, cuyo ideal era un estilo de delgadez aniñada con el pelo corto en consonancia. Las prendas de punto y lana tejida, los pantalones anchos, los vestidos de fiesta con flecos, las cadenas largas o los collares de perlas y las grandes borlas sirvieron para reforzar un nuevo estilo de vida. Los vestidos de baile casi diáfanos de los años 20 se enriquecían gracias a otro efecto de semitransparencia, que se revelaba solo en movimiento: los volantes de flecos que desvelaban la silueta de la forma femenina únicamente cuando un contoneo los hacía ondear.
3. El vestidito negro:
En esta prenda deliberadamente sencilla, del color de la experiencia, la independencia y el erotismo, hallamos las tendencias socioculturales dominantes del siglo. Representa el modernismo en su rechazo al sentimentalismo, el feminismo en su dignidad y el individualismo en su resistencia a mezclarse en la colorida masa humana. Este vestido maravilloso nació en París y sus padres fueron Jean Patou y Coco Chanel.
1930-1938:
1.La cuña y el triángulo:
En la década de 1930 el triángulo parecía la forma geométrica dominante en el diseño de moda. Los pantalones de estribo y los zapatos de cuña se adueñaron del mercado al mismo tiempo, ambos erna innovaciones. El exagerado escote de espalda en forma de “V” presentaba un triángulo de piel al descubierto. El final de la década vio otro corte triangular más, la del corte de las faldas. Los hombros anchos y la cadera estrecha se enfatizan cada vez más.
Gracias a los conocimientos que adquirió estudiando anatomía en la Universidad de California, desarrolló un concepto revolucionario que desembocó en zapatos comodísimos a la par que originales y atractivos.
3. Pliegues, pinzas y fruncidos:
Los cuerpos fruncidos, una caída clásica en los pliegues de las faldas y los turbantes drapeados como esculturas eran la especialidad de madame Grès. Era una visrtuosa de los pliegues y fruncidos. Sus prendas a menudo blancas, se parecían a las túnicas de las cariátides griegas, pero adquirían un carácter moderno al enfatizar el cuerpo. A pesar de la caída fluida, las prendas quedaban fijadas de forma precisa en su sitio con cinta de tela para que nada se deslizara involuntariamente.
4. Charles James:
Británico de nacimiento pero de raíces estadounidenses. Se considera el diseñador de alta costura pionero y mas respetado de Estados Unidos. Sus diseños suelen comprarse con los de Balenciaga. Era un hombre atrevido y perfeccionista creó unos mil diseños.
1939-1946:
1. La moda de la improvisación:
En la década de los 40, el racionamiento de tela generalizado obligó a los modistos a desarrollar medidas económicas que agudizaron la creatividad y el ingenio. Se utilizaban todo tipo de tejidos, como pieles de pescado para blusas o materiales sintéticos para zapatos y sandalias. La lona, las cortinas y la felpa se utilizaban para la ropa deportiva, y así mismo se reutilizaban los abrigos que los hombres se habían dejado en casa al ir al frente. Uno de los inventos más llamativos fue la falda campesina de patchwork, hecha con cuadrados de tela estampada y lazos que se cosían unos a otros.
2. Hollywood marca tendencia:
La tremenda influencia que las actrices de cine tuvieron en su momento para la moda de masas es difícil de entender hoy en día. Durante los años 30 y 40 las estrellas de cine marcaban tendencia. El objetivo era algo más que ensalzar la belleza. Así el vestuario de Hollywood mejoraba los atributos naturales de un estrella, hasta el punto en que se convertían en su propia imagen.
3. Bisutería:
Durante los años de la guerra los metales preciosos se racionaban y las mujeres solo tenían acceso a la bisutería, tanto las ricas como las pobres. Para embellecer el aspecto sobrio las mujeres acudían a la bisutería. Podían ser piezas divertidas e ingeniosas u ostentosas y recargadas. La bisutería durante los tiempos de guerra tenía la doble función de servir como complemento frívolo, divertido y nuevo para la ropa y a la vez actuar como sustituto de las joyas.
1947-1949:
1. Christian Dior:
Debutó el 12 de febrero de 1947 con una colección que revelaba una imagen totalmente innovadora para la mujer, en la que se destacaba una cintura estrecha y un pecho alto y pronunciado, unos hombros limpios y redondeados y unas caderas anchas. Dior deseaba vestir a este nuevo cuerpo femenino lleno de curvas con prendas lujosas y profusión de telas. Su atrevimiento no fue siempre bien recibido, sin embargo en 1948, confomre las carencias de la época de la guerra se superaban, el nuevo look emergió victorioso.
Ha sido descrito en muchas ocasiones como un profeta. Cuando Balenciaga mostró su asombrosa camisa sin cintura marcada, lo hizo movido por la propia convicción de La proporción. Si bien sus prendas más conocidas son las de noche, el estilo en el que realmente influyó fue en el de los vestidos de día, con los abrigos y con los vestidos solía ser suave. Cortaba los abrigos con pliegues limpios y diseñaba vestidos sencillos de una o dos piezas que se unían elegantemente con un fajín de piel.
3. El vestido de cóctel:
Ninguna otra prenda de vestir toma el nombre de una bebida. Pensar en esta prenda nos remite instantáneamente a un tipo especial de copa, una guinda o una oliva pinchada, asi como un entorno social muy concreto. El vestido de cóctel consistía en una falda globo con una chaqueta corta o bolero. En general las mujeres preferían un traje de cóctel que un vestido.
1950-1960:
1. ¿Mujer o adolescente?
Históricamente las prendas para las chicas siempre habían sido versiones más sencillas, más pequeñas y más baratas de la ropa que vestían sus madres. Por primera vez en las historia de la moda, las prendas para las chicas se diseñaban de forma distinta de las dirigidas a las mujeres. La moda ya no solo se dedicaba a la mujer madura sino que también respondía a diferentes necesidades de la gente joven.
2. Camiseta, vaqueros y chupa de cuero:
Durante la década de los 50 surgió por primera vez el término cultura juvenil y quedó claro que una generación de jóvenes deseaba desmarcarse de sus padres tanton en ideas como en el aspecto externo. Estos nuevos jóvenes empezaron a llevar prendas que se oponían a los valores socioeconómicos de sus progenitores. Por primera vez, los vaqueros elásticos, hasta entonces considerados pantalones d etrabajo de los buscadores de oro eran lucidos por las atractivas estrellas.
3. Accesorios:
Los accesorios, combinados con esmero, estuvieron muy bien considerados en la moda vigente en la década de los 50. Se daba por hecho que una mujer debía lucir un sombrero cuando acudía a actos sociales o al teatro. También era importante llevar bolsos o pequeñas carteras que combinasen con los guantes y calzado tanto en el color como en el estilo. Los guantes eran parte importante del conjunto de moda y una mujer debía llevarlos siempre incluso en verano.En cuanto al calzado, el zapato de salón tenía tacón de aguja y punta fina.
1961-1967
1. La minifalda:
Una de las mayores revoluciones del SXX se inspira en una prenda tradicional que originariamente vestían los griegos y los romanos. Durante siglos los hombres la llevaban con mallas o medias debajo como uniforme de trabajo. Sin embargo cuando en la década de los 50, cuando surgió como prenda para la mujer en forma de excitante minifalda, se vio como una provocación por que exponía el muslo femenino. La diseñadora Mary Quant creó vestidos acampanados cómodos y sueltos sin cuerpos entallados, creó el look “lolita”, “Schoolgirl”.
2. Estilo callejero:
Es la forma de expresión de los jóvenes. En el centro de cualquier estilo callejero está siempre la cultura popular: el arte, la música y la política en la calle. Durante la década de los 60, estilos diferentes reaccionaron ante estos temas como los hippies los rockeros, los mods… La década empezó con los mods o modernos. En oposición a las actitudes pasadas de moda, muy conscientes de las diferencias de clase. Los mods preferían el estilo de las cosas monocromáticas, del blanco y el negro, de las telas lisas, rectas, ajustadas. Eran sobrios y estilosos. En 1967 los hippies eran los inadaptados más extremistas y mejor organizados de la década.
3. La era espacial:
El dramatismo de la era espacial se exarbó gracias a que, a principios de la década de 1960, la televisión se había extendido por muchos hogares. Era imposible no sentirse emocionado e inspirado por la primera pisada en vivo y en directo de los astronautas pisando la luna. La moda se apuntó de inmediato. La moda de la era espacial enfatizaba lo fabricado por el hombre, en especial el plástico. Lo más intrigante de la moda espacial era la idea de lo unisex . Cardín cubría a hombres y mujeres de la misma forma.
4. Prendas de op art:
Las obras de los representantes del op art eran ambigüas visualmente y a menudo sugerían un movimiento mareante, ya fuera a través de unos cambios sutiles en el color o mediante líneas y cenefas en blanco y negro. La simplicidad gráfica de estas ilusiones ópticas hacían posible que el op art se adaptara al diseño textil, y el mundo de la moda aprovechó la oportunidad. Sobretodo en los años comprendidos entre 1963 y 1966.
5. Colores chillones, papel y pvc:
El hecho de que Andy Warhol participara en el movimiento nos da una muestra del entorno en el que se fraguó la locura por el papel. Las prendas de papel y los productos domésticos fabricados conj este material tuvieron una vida corta pero supusieron un fenómeno de masas entre 1966 y 1968.
6. Moda pop art:
Tomaba su inspiración del imaginario del consumismo y la cultura popular, estaba destinado a conectar con el mundo de la moda. Este estilo surgió alrededor de 1960 en Nueva Cork y Londres. Warhol fue el artista pop art más relacionado con la moda, diseñando prendas basadas en sus cuadros.
1968-1979
1. Chic radical:
La gente pobre se arregla; solo los ricos pueden permitirse descuidar su atuendo. Enlos años 60, los trajes de segunda mano se asociaban a la contracultura y a sus aspiraciones de una sociedad alternativa. Marcaba el rechazo al materialismo y un deseo utópico de deshacerse de las ataduras del capitalismo consumista. Los vestidos retro distinguían a quienes los llevaban del resto de la sociedad. Los diseñadores intentaron imitar estos estilos de la contracultura.
2. El look folclórico:
Los hippies eran el centro de un movimiento que surgió en EEUU a mediados de los 60. Con sus flores, su ropa y su música protestaban contra el establishment. En primer lugar optaron por prendasde zonas geográficas remotas que apenas habían entrado en contacto con la era industrial como los ponchos, los abrigos de borreguillo y sobretodo las blusas y camisas de estopilla de la India. Los vaqueros se bordaban, pintaban o decoraban con apliques florales.
Empezó a trabajar como ayudante de Dior y se convirtió en el diseñador jefe de la casa de moda Dior tras la muerte de éste. El blazer cruzado con botones dorados combinado con unos pantalones de seda fue como un aperitivo de una larga serie de creaciones revolucionarias. A este le siguieron el esmoquin para mujer, la blusa transparente o las bermudas como prenda de fiesta. Lo más sorprendente es el sentido extraordinario e innato de este diseñador.
4. Estilo militar:
La gente joven viste prendas militares por las mismas razones por las que se pone ropa propia de obreros; es decir por motivos prácticos y económicos. El atuendo militar convencional se popularizó a finales de la década de los 60, cuadno la moda se alejó del look psicodélico decorativo y se aproximó a un estilo sencillo compuesto por excedentes del ejército. La ropa de camuflaje se muestra con distintas formas y diseños en subculturas o tendencias juveniles. Las prendas de estilo militar continúan desempeñando un papel importante en cuanto a la identidad sexual. Algunas mujeres se ponen artículos militares para romper con los roles tradicionales.
5. La moda se mueve:
A finales de la década de los 70 el aeróbic y el footing eran algo más que los entrenamientos favoritos de la década; resultaban sexys. Y la moda era el punto de unión entre el deporte y el sexo. Se llevaba el estilo deportivo, y mostrar una apariencia deportiva era la clave , aunque luego no se sudara ni una gota.
Las tiendas Benetton de todo el mundo se han convertido en lugares de culto. Sus prendas han pasado a ser algo obligatorio para generaciones enteras que , con cada cambio de temporada, esperan para comprar modelos nuevos en las tonalidades más in. Algunos artículos han llegado a causar sensación. Las campañas publicitarias de Benetton, dirigidas por Oliviero Toscani causan sensación y se desarrolla la imagen corporativa.
7. Disco:
La moda disco de los 70 se ve ahora como un faux pas estético, una moda caracterizasa por la superficialidad. La estética disco fue la primera moda propia de las pistas de baile y las discoteca, y destacaba la relación inseparable entre la cultura juvenil y los productos de consumo. Era una moda de fin de semana. El estilo glamouroso típico del disco estaba pensado únicamente para este universo reducido. Además de de los aspectos eróticos, la moda disco también permitía las poses andróginas de cuerpos enfundados en prendas ajustadísimas como los maillots de cuerpo entero. El eslogan era vestirse para destacar.
8. Punk:
El punk es un estado mental y fue una moda, un movimiento que tuvo más impacto en la cultura popular occidental. Sin embargo, la efervescencia del culto punk duró apenas unos treinta meses. Su foco fue Londres. El nuevo look se centraba en la automutilación, las prendas estropeadas y asexuales, un rechazo violento a la belleza o a la naturalidad. Los pantalones pitillo se combinaban con cazadoras universitarias destrozadas.
1980-1990:
1. Vestidos para el éxito:
La moda ya no era un enemigo; era un aliado, pero tenía un precio. Las prendas llamativas y los accesorios plagados de logos fáciles de reconocer, como el jugador de polo de Ralph Lauren o las C entrelazadas de Chanel, tenían el poder de cambiar el estatus social de quien los llevaba. El objetivo de vestir prendas caras era para dar la sensación de que uno ya había alcanzado la cima. Las mujeres llevaban un traje de chaqueta sexy y de hombros anchos. Daba la impresión de que sus portadoras no solo pertenecían a la clase alta sino que tenían la suficiente confianza en sí mismas y el ánimo de romper las normas.
2. Kar Lagerfeld:
Además de trabajar para casas tan importantes como Fendi, Chloé y Chanel ha creado marcas comerciales propias: Lagerfeld y KL by Karl Lagerfeld. Ha producido diversos perfumes con su firma. Cree que su mayor talento es terminar cosas que otros han empezado y llevarlas a mejor fin. Siempre ha permanecido fiel al estilo de Chanel y sus elemntos inconfundibles pero lo ha catapultado hacia el presente inmediato por medio de materiales nuevos y de un corte atrevido.
3. Abombachados, polisones, tutes y cfrinolinas
Justo cuando estaba en auge la moda del “vestir para triunfar” emergió otra estética que recordaba a la época barroca del SXVII, al esplendor de sus fiestas cortesanas y a la aristocracia francesa pobsesionada con el estatus social. Lo que prendió la llama en 1982 fue el tutú, las adolescentes se lo ponían para ir a las discotecas, también lo llevaban durante el día en forma de falda globo con elástico en la costura inferior. Con su modelo por la pantorrilla las chicas parecían elegantes maniquíes de Dior.
4. Estilo de vida americano:
Los dos diseñadores de Estados Unidos que destacaron en la década fueron Calvin Klein y Ralph Lauren. Desarrollaron una visión distinta y muy alejada del excluvismo creativo. Su objetivo era conquistar el armario de todo el mundo: ricos, pobres, mayores, jóvenes, adictos a la moda e indiferentes. Para estos dos diseñadores la moda es más que ropa y abarca todo lo que rodea la vida diaria: desde vaqueros hasta manteles, de ropa interior a toallas, desde gafas de sol hasta muebles.
5. Donna Karan:
Personalísimos, funcionales y discretamente lujosos, los diseños de Donna Karan fueron el paradigma del estilo urbano de finales del S.XX. Sus colecciones para mujer de ropa de firma han mostrado una concepción suave y escultural de kas formas femeninas a través de una ropa urbana y de coste adusto. Sus diseños proporcionaban a las mujeres atuendos que reflejaban tanto una imagen de autoridad como de feminidad. Creó un ideal de práctico vestuario multifuncional y despojado de detalles innecesarios. Ha añadido a sus creaciones lujo y glamour pero sin olvidarse de algo fundamental: la ropa debe ceñirse para hacer que las mujeres sientan que tienen el control, en lugar de hacerlas sentir controladas. La propia imagen de Donna Karan se identifica en gran medida con la de su marca.
6. Moschino:
Este diseñador estaba dotado de una fantasía asombrosa. El diseño y el sentido de la moda de Moschino, unidos a su ironía y las grandes dotes para la comunicación, eran las características propias de su estilo. Sus presentaciones siempre eran acontecimientos sorprendentes que causaban revuelo.
Es famoso sobre todo por unos estilos que contraponen los géneros, mujeres vestidas con trajes de raya diplomática y hoombres vestidos con falda. También por el énfasis que pone en la sexualidad a través del uso de elementos fetichistas como el corsé. Gaultier tiene ideas muy poco convencionales de la belleza y la fealdad, a menudo selecciona a “gente real” como modelos y con ello cuestiona la validez de los ideales de belleza de la cultura dominante.
Llevaba la seducción de lo extraño a extremos insospechados, lo hacía introduciendo estereotipos de vulgaridad en el mundo de la alta burguesía y utilizando una combinación en apariencia imposible de tejidos, colores y estampados. Los cortes asimétricos, las distintas capas, los drapeados, los diseños ópticos, los complementos metálicos y el uso de tachuelas y encaje son algunas de las invenciones estéticas de Versace.
1991-2000
1. Grunge:
En opinión de algunos, el grunge, más que ninguna otra tendencia del momento, resultaba confuso porque proponía blusas de seda que parecían camisas de franela viejas y jerséis tejidos varias tallas grandes a propósito para potenciar el efecto desgarbado de quienes lo llevaban. Era un estilo espontáneo que había nacido en las calles y del que la alta costura se había apropiado. El propósito del grunge era parecer desaliñado , dar la impresión de que uno acababa de salir de la cama y había cogido lo primero que había pillado. En muchos sentidos se pensaba que el grunge representaba la liberación de las formas.
2. El purismo: el chic esencial
No debe confundirse con el minimalismo, el purismo utiliza tonos neutros como el gris, el blanco o el beige y se inspira en la pureza estilística. Es un estilo que parece noble y requiere mucha creatividad por parte del diseñador. Exige talento y coraje para omitir todo lo que es superfluo. Es un estilo contenido y sobrio que hace que la fachada retroceda a favor de la personalidad, y que destaca la esencia de quien lo lleva del modo más sofisticado. Nada es tan difícil de conseguir como una simplicidad cargada de significado.
3. Marcas de diseño:
Las raíces de este fenómeno tal vez se hallen en el papel cambiante que la moda ha representado en la sociedad. Mientras esta última se volvía mas democrática, aquella mantenía su publicidad de sistema heráldico que defendía la aristocracia del comprador. Esta publicidad acabó convirtiéndose en un idioma global y su vocabulario se simplificó.
4. Prada:
La marca Prada apareción en 1913 en Milán. Mario Prada confeccionaba bolsos, maletas, zapatis y accesorios de piel de alta calidad; todos sus diseños mantenían una distancia estilística y estaban de moda, aunque a la vez eran lo bastante clásicos para sobrevivir más de una temporada. Hoy en día esta marca la dirige la nieta de Mario, Miuccia. Miuccia Prada ha ha desarrollado un estilo único que mezcla con pericia la pureza intelectual y la elegancia excéntrica, el minimalismo futurista y la inspiración multicultural.
5. Hip-Hop
La moda hip-hop forma parte del estilo callejero. Representa la mnoda para los espacios urbanos, para las grandes ciudades y es la forma que tienen de expresarse los marginados socialmente. El origen de este estilo está en la ropa funcional que se llevaba en situaciones de estrechez económica. El estilo hip-hop se caracteriza por ropa extra grande que agranda el cuerpo y le confiere un gesto amenazador.
6. John Galliano:
Galliano produce doce colecciones al año para su propia marca y para Dior, donde como jefe de diseñadores, idea tanto las prendas de alta costura como las de prêt-à-porter. Todas las colecciones tienen un tema narrativo o una estructura que arranca de un personaje de ficción. De estilo promiscuo sus diseños aúnan referencias al estilo colonial y a la belle époque, y funden de modo impresionista las culturas y las gentes. Este estilo exótico es antitético de los looks informal, minimalista y desconstruccionista que predominaron en casi todos los diseños de los años 90.
7. Chic high-tech:
Los avances en la tecnología de los tejidos determinan cada vez más el aspecto de las prendas. Los diseñadores se inspiran en géneros novedosos que reflejan la luz, que se estiran, que se adornan con lentejuelas y que presentan hilos de metal o de plásticos adheridos a sus superficies. Desfiles de telas como el aclamado Premiere Vision de París son el punto de partida de las grandes tendencias de moda.
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